La música de cine es quizás la más escuchada pero la menos escuchar música allí. Y a pesar de su omnipresencia y su inestimable contribución al cine y a su frecuente gloria artística, padeció esta falta de atención, de suficiente aprecio.
Desde el principio tuvo un estatus bastardo entre la cultura clásica, lo que lo mantuvo fuera de las salas de conciertos donde posiblemente pertenecía como heredero legítimo de otra música orquestal de larga duración. Pero también sigue siendo un desconocido para el gran público e incluso para la propia industria cinematográfica: basta pensar en la decisión de los Globos de Oro de no emitir la categoría de música original durante la emisión del domingo, aparentemente por razones de tiempo. (Ludwig Göransson ganó por “Sinners” y la serie duró más que “Avatar: Fire and Ash”).
El director Scott Dunn se ha propuesto combatir esta ignorancia generalizada y degradante de la música de cine. Se ha asociado con los Wallis de Beverly Hills para formar una nueva orquesta, compuesta por los mejores músicos de Los Ángeles, dedicada a interpretar lo mejor de esta forma de arte.
«Es fascinante que tengamos todos estos grandes genios en la ciudad y los ignoremos», dice Dunn.
La Scott Dunn Orchestra debutó en mayo pasado con un concierto con entradas agotadas dedicado a Henry Mancini, seguido en noviembre por una exhibición de modernistas de Hollywood de mediados de siglo. Este sábado, presentarán una gira de los años 70, que incluye música clásica de Jerry Goldsmith («Chinatown»), Nino Rota («El Padrino»), Marvin Hamlisch («La espía que me amó»), David Shire («La conversación») y, por supuesto, John Williams.
Dunn dice que es probablemente el concierto más difícil que jamás haya programado: «Podría, en 10 segundos, montar un segundo y tal vez un tercer espectáculo de los años 70, porque la lista es interminable». »
(Su próximo concierto, en mayo, se centrará en los compositores emigrados europeos que ayudaron a escribir el código de la música cinematográfica de Hollywood en la década de 1930).
Los años 70 fueron una década fértil para la música de cine. Algunos autores del Nuevo Hollywood estaban ansiosos por experimentar: “Chinatown”, compuesta como partitura de reemplazo en sólo 11 días, fue escrita para cuatro pianos, cuatro arpas y un solo de trompeta; mientras que “The Conversation” era sólo un solo de piano, tan solitario como el melancólico protagonista de la película, Harry Caul. Otros nuevos directores querían una religión pasada de moda; así, el joven Martin Scorsese hace equipo con el legendario Bernard Herrmann en “Taxi Driver” y el joven Steven Spielberg interpreta a John Williams – quien resucitó espectacularmente la gran partitura narrativa sinfónica.
También sopló un nuevo viento desde el otro lado del Atlántico, con compositores franceses e italianos importando la estética del Viejo Mundo (Rota) y la Nueva Ola (Michel Legrand) al cine estadounidense. Otra brisa vino de Broadway, con compositores como Hamlisch aportando melodías extremas y la sensibilidad de un arreglista. El programa de Dunn también incluye música de la partitura final del maestro del viejo Hollywood Miklós Rózsa para la película de 1979 «Time After Time». Fue verdaderamente una década de transición.
Director Scott Dunn
(Kevin Parry)
Algunas de estas partituras, o al menos sus temas principales, se han escuchado en salas de conciertos. Pero incluso la mejor música de cine ha sido relegada a menudo al «pop» y a los conciertos de verano, con un juicio tácito entre las orquestas sinfónicas de que sólo debería asociarse con niños y mantas de picnic.
Es cierto que la música de cine aparece hoy en día en el programa de todas las orquestas, pero como segundo violín de una proyección gigante de una película popular. LA Phil se unió a una tendencia internacional de proyectar películas como «Jurassic Park» y «Home Alone» y reproducir sus partituras en vivo, un fenómeno que, según Dunn, «despertaría el interés en la música de cine, pero no llamaría particularmente la atención sobre la música o la calidad de la música. Principalmente se transformó en una forma de vender entradas para películas taquilleras, llenar la sala y generar ingresos».
“Lo cual es bueno”, añade rápidamente. «Atrae a la gente. Pero creo que si sacas la película de la ecuación y prestas atención a la música seleccionada, realmente puedes hacer conciertos increíbles con esa música».
Su modelo a seguir fue John Mauceri, quien fundó la Hollywood Bowl Orchestra en 1991 y dirigió allí ambiciosos conciertos de música de cine durante 15 veranos. Mauceri defendió la posición de que «la atención debe centrarse en la música», dice Dunn, quien ayudó a Mauceri durante estos años, «que la película en realidad distrae bastante, que la música funciona como música de concierto si se maneja correctamente».
Los obstáculos a la presentación de música cinematográfica en concierto provienen de fuerzas externas, pero también del interior del hogar. El esnobismo y el desprecio por las élites clásicas fueron internalizados por la primera o segunda generación de compositores de Hollywood, quienes a su vez rechazaron su propio trabajo y a menudo no hicieron ningún esfuerzo por preservar la música o reorganizarla para conciertos. (Localizar partes antiguas de partituras y hacerlas reproducibles, además de obtener licencias de estudios y titulares de derechos, agrava la dificultad de este tipo de conciertos).
Pero desde los albores de Hollywood, ha habido entusiastas de estos Wagner y Mozart modernos, cinéfilos que han desarrollado un tercer oído para escuchar atentamente y apreciar esta nueva y apasionante música interpretada entre diálogos y efectos sonoros, música peyorativamente etiquetada como «de fondo» pero que, para nosotros, es el alma y el alma espiritual del cine.
Este pequeño club incluía a muchos músicos, que tocarían “Indiana Jones” en los conjuntos de su escuela, luego se unirían a orquestas profesionales y esperaban tocar “Star Wars” en Disney Hall o Carnegie Hall. El club también incluía directores, como Gustavo Dudamel, un entusiasta de la música de cine, así como Mauceri y David Newman, hijos del legendario compositor de cine Alfred Newman, quienes se convirtieron en especialistas y defensores de los conciertos de música de cine.
Dunn llegó a este club por un camino tortuoso. Al crecer en Iowa, se sintió atraído por las partituras de canciones de Broadway en el piano familiar y, con la ayuda de un gran maestro, se ganó un lugar en Juilliard. Pero los concursos de piano le asustaron y huyó de la música; se mudó a Los Ángeles y tomó cursos de premedicina en la USC, donde obtuvo la certificación como cirujano ocular.
Orquesta Scott Dunn
(Kevin Parry)
Por esta época, a principios de la década de 1990, Dunn vendió su casa; Un comprador interesado fue Leonard Rosenman, el compositor ganador del Oscar famoso por “Rebelde sin causa”, quien notó el piano de cola Steinway y las partituras del concurso y reconoció que este “doctor” era en realidad un músico. Se conocieron y se hicieron amigos, y Rosenman convenció a Dunn para que volviera a la música.
Al principio volvió al piano, pero la vida como concertista solista le resultaba bastante solitaria, por lo que se dedicó a dirigir y tocar con una orquesta completa.
“No recomendaría este camino: tratar de convertirse en un director de orquesta de talla mundial a los 30 años es algo realmente difícil de lograr”, afirma.
Pero valió la pena. Dunn ha dirigido las mejores orquestas desde Los Ángeles hasta Sydney y ha acompañado a numerosos artistas pop además de defender la música de cine. (También suele hacer los arreglos y ocasionalmente se sienta al teclado).
¿Hay público para esta música? Dunn llama a una mesa de madera y dice que hasta el momento todos los conciertos están agotados. Espera futuros conciertos que celebren a los compositores franceses, la música cinematográfica de Randy Newman («Creo que es nuestro Schubert moderno») y, por supuesto, John Williams («Me encantaría explorar algunas de sus increíbles y menos conocidas partituras»).
Esta música de “fondo” merece toda la atención en Los Ángeles.
