Cómo los abogados de la música ayudan a los artistas a navegar

Cuando la cantante Dale Bozzio cayó a 40 pies de una obra de teatro de un Holiday Inn en el centro de Los Ángeles en 1976, rompiendo una junta de pelota, sus codos y sus costillas flotantes y separando su cabeza, no estaba firmada con un contrato récord. Todavía no había formado personas desaparecidas con otros miembros del Grupo Frank Zappa o para componer lo que se convertiría en sus canciones de firma («Palabras», «Destino desconocido», «Walking in Los LA»). Pero debido a que era una empleada de Zappa (murió en 1993) en ese momento, tenía un seguro de salud, que le pagó atención médica durante el próximo año, una gran parte de las cuales gastó en coma.

Si Bozzio hubiera sido firmado para una etiqueta como artista, habría sido su responsabilidad como empresario independiente de obtener un seguro de salud por sí misma o a través de una unión como Sag-Aftra o la Federación Americana de Músicos locales 47 en Los Ángeles. Esto solo habría sido posible si alcance los umbrales de ingresos (actualmente, debe ganar $ 27,540 en 12 meses para calificar para la cobertura SAG-AFTRA).

Este hecho fundamental parecía perder en Chappell Roan, que los comentaristas de Internet colocaron dos grados de separación estilística de Bozzio (es decir, el aspecto de Roan recuerda a Lady Gaga, que lucía una mirada que recuerda a Bozzio con su prima de los 80). Roan provocó una conversación a nivel de la industria sobre el problema con un discurso bien intencionado durante los Grammys en febrero, donde llamó a las etiquetas «para tratar a sus artistas como empleados preciosos con un salario y un seguro de salud habitable».

«Quizás si hubiera más transparencia (en contratos récord), un gran artista articulado y exitoso como Chappell Roan tendría una mejor idea de estos ahorros y el funcionamiento de esta relación, que no son su empleador. Usted es un emprendedor independiente, y solo brindan atención médica que su personal, sus empleados», explica Daniel Shulman, un socio en Eisner.

Bozzio conocía las reglas del juego y sus trampas porque tenía un mentor como Zappa, que se refirió a su abogado, Owen J. Sloane, para negociar su contrato con los archivos del Capitolio.

«Frank me salvó la vida del principio de los tiempos hasta ahora porque todo lo que ha hecho por mí», explica Bozzio, quien desarrolla una película basada en su historia de vida, que contó en su autobiografía en 2021 «La vida es extraña». «Nos enseñó todo lo que sabemos».

Desafortunadamente, la mayoría de los artistas no tienen Zappa. Pero tienen abogados y otros representantes que deben guiarlos a través de los mejores puntos de los acuerdos de etiqueta que afectarán sus vidas durante años, incluso décadas. Pero no siempre es tan fácil.

«Usted explica lo que considera que son los puntos sobresalientes del acuerdo, y dicen:» Sí, sí, sí «, explica el abogado Jess Rosen de Greenberg Traurig de Tyro Story Firmon. «No les importa. Quieren ser creativos. Quieren ingresar al juego».

Según Paul Schindler, otro abogado de Greenberg Traurig, solo hay cuatro o cinco puntos en un contrato récord que realmente cuenta.

El número uno es la duración del contrato, que debe ser lo más corto posible. Luego, lo que se le paga y cómo se le paga, ya sea sobre una base de tarifas o ingresos netos, y si tiene una participación sustancial en el maestro. Después de eso, las cosas a considerar son las garantías de avances, fondos comprometidos con el marketing y la promoción, y si le dan la tarifa máxima en su publicación.

«Si el artista tiene éxito, puedes renegociar», explica Schindler. «Si el artista no tiene éxito, sin importar lo que diga el contrato, no obtendrá dinero».

En sus memorias en 2024 «Brothers», el baterista de Van Halen, Alex Van Halen, cuenta cómo el grupo regresó a casa después de una exitosa gira de siete meses en apoyo de su primer álbum de 1978, que ya había vendido más de un millón de copias, para notar que eran un millón de dólares en la etiqueta.

Situaciones como esta no son infrecuentes para los artistas que vinieron en los años setenta y 80. Muchos hablaban de cómo no sabían que todas estas cosas que la compañía discográfica pagaba aparentemente: registros de costos, apoyo para el recorrido y el marketing (publicidad, videos, etc.) a las bebidas y la cena compradas por el representante de la etiqueta local alegre, deducido de sus ingresos futuros, que nunca podrían ir más allá de sus expresiones.

Luego están las deducciones que pueden permanecer en contratos mucho después de que el progreso técnico los ha hecho obsoletos. Según los miembros del grupo, el contrato original de Van Halen con Warner Bros. tomó el 10% en la parte superior para «rotura» antes de calcular su parte de regalías, una deducción de los «20 años» y la década de 1940, mientras que el apoyo de elección fue de 78 rpm de estropear fácilmente de eliminar. Más recientemente, los costos de empaque siempre se aplicaron a descargas digitales.

Con el aumento de la piratería musical en la década de 2000, las compañías discográficas comenzaron a insistir en los acuerdos «360» o «todos los derechos», que prometieron un apoyo promocional y mayor, al tiempo que reducen una amplia gama de flujos de ingresos de artistas, incluidas descargas, bienes y actuaciones en vivo.

En los años que siguieron, el progreso tecnológico ha dado poder en manos de los artistas. La capacidad de grabar Radio Music for Radio en el hogar ha cancelado en gran medida la necesidad de avances de grabación importantes, y los artistas pueden autopromoción en las redes sociales y la autodistribución en plataformas digitales, lo que lleva al surgimiento de las ofertas de distribución y una proliferación de compradores, que abarca etiquetas independientes, compañías de medios y distribuidores pasivos.

«Ya no es como si estuvieras en las tres grandes etiquetas», explica Audrey Benoualid, socia de Myman Greenspan Fox Rosenberg Mobasser Younger & Light. «Tiene 20 o 30 opciones diferentes, al menos, a dónde puede ir y ver qué servicios ofrecen, y el acuerdo depende de cada artista específico y sus necesidades».

Pero si bien los acuerdos de distribución de hoy ofrecen a los artistas un mayor control, una mayor reducción en las ganancias y la propiedad de los maestros, así como los compromisos contractuales más cortos, hay menos motivación para que las etiquetas inviertan en el desarrollo profesional porque no tienen tanta piel en el juego.
«Las especialidades son mucho más selectivas en los artistas que eligen firmar y desarrollar», explica Aaron Rosenberg, también socio de Myman Greenspan. «Así que ves las ofertas de artistas menos nuevas».

El abogado de Wells, Loren Wells de Wells & Kappel, cree que parte de la razón por la cual las etiquetas principales están recurriendo al modelo de distribución es porque son compañías que figuran en el mercado de valores.
«No es por un gran genio económico, sino simplemente porque les importa los rendimientos trimestrales», dijo.

También hay un posible inconveniente de la mayor ventaja: la propiedad de los maestros. No importa el poco dinero que gana una grabación, todos sus participantes en ganancias (autores-compositores, productores, etc.) deben pagarse por su parte, que puede volverse pesada, tanto de manera fiscal como logística, cuando la propiedad se devuelve al artista después de la expiración de la licencia de la etiqueta.

«En las ofertas tradicionales, siempre había la etiqueta que gestionaría el pago de todos», dijo Shulman. «Ahora estamos entrando en este nuevo mundo donde los artistas explotan una empresa sofisticada que requiere muchas piezas anidadas diferentes. Y no creo que muchas personas lo hayan pensado mucho cuando estructuraron ofertas al principio».