Kate Winslet sobre su debut como directora «Goodbye June»

Kate Winslet se sienta con una mezcla de euforia e incredulidad. Todavía está procesando la magnitud de lo que acaba de hacer. La ganadora del Oscar (The Reader, de 2008) ha estrenado su primera película, «Goodbye June», un drama familiar íntimo escrito por su hijo, Joe Anders, y la realidad aún no se ha asentado del todo.

“Incluso escuchándote decir que hice una película, casi siento las líneas”, dice Winslet con una sonrisa. «Como mujer, hacer películas es difícil, incluso como actriz. Los directores tienen que defenderse ferozmente. He pasado años defendiendo a los demás, así que encontrarme de repente en esta comunidad es emocionante. No creo que nunca hubiera imaginado que estaría aquí».

El momento no ha llegado por urgencia, sino por oportunidad. Winslet siempre había priorizado la maternidad. Ahora que sus hijos han crecido –o están creciendo– el espacio finalmente se ha abierto. «La producción es un compromiso de principio a fin de un año, a veces más», afirma. «Es enorme. Pero las estrellas se alinearon y, cuando cumplí 50 años, tenía que hacerlo y me encantó».

“Goodbye June” se centra en una reunión familiar mientras su matriarca enfrenta una enfermedad terminal, un tema que Winslet aborda con una comprensión vivida después de perder a su propia madre en 2017. La película presenta un elenco formidable: Helen Mirren, Toni Collette, Timothy Spall, Andrea Riseborough y la propia Winslet.

Winslet recurrió a décadas frente a la cámara para repensar cómo se apoya a los actores en el set. Se han eliminado los micrófonos de brazo colgantes. Los micrófonos ocultos los reemplazaron. Las cámaras estaban cerradas. Para las escenas más privadas, el equipo se alejaba discretamente.

«Quería desarmar el espacio», dice Winslet. «Para eliminar las cosas que sacan a los actores de sí mismos».

El resultado es una película que encuentra el humor en el desamor sin suavizar la verdad. «La vida no deja de ser divertida sólo porque es dolorosa», comparte Winslet. «A veces, la risa es la única forma de superarlo».

Para un director novel, el enfoque de Winslet parece a la vez reflexivo e instintivo, arraigado en la empatía y la confianza. Queda por ver si “Adiós junio” marca el inicio de un nuevo capítulo o si se trata de un acto singular. Pero por ahora, Winslet se está tomando un momento para reconocer lo que ha construido.

«Realmente lo hice», dijo, todavía un poco sorprendida.

En este episodio de Variedad En un podcast de Awards Circuit, Winslet habla sobre cómo prepararse para este momento de su carrera, trabajar con su hijo y lo que quiere hacer a continuación.

Lea extractos de su entrevista a continuación, que han sido editados y condensados ​​para mayor claridad.

¿Cómo ha influido tu experiencia como actor en tu forma de dirigir?

Inmediatamente supe cómo solucionar las cosas que no serían útiles. Lo que me sorprendió fue lo diferentes que eran las necesidades de cada actor. Cada persona necesitaba algo específico de mí y complacerlo fue maravilloso. Esto significó aprender quiénes eran, qué necesitaban para sentirse seguros y generar confianza. Esa confianza lo era todo.

Analice las opciones para eliminar los micrófonos boom en el set.

Como actor, los encuentro increíblemente distraídos. Se mueven, flotan y siempre me siento mal por quien los sostiene. Los operadores de boom son brillantes, pero anticipan el movimiento, y si un actor cambia de opinión a mitad de la toma, puede desviarte del momento. Quería eliminar esta distracción. También tuvimos niños en la película, y los niños pequeños siempre están mirando la gran cosa negra que ondea sobre sus cabezas. Sin barreras flotantes, este problema desapareció.

¿Qué te llevó a bloquear las cámaras y despejar el set para escenas íntimas?

En las escenas más tranquilas (entre Helen Mirren y Timothy Spall, o Toni Collette y Helen en el baño del hospital), los actores estaban completamente solos. Las cámaras estaban grabando, pero nadie las operaba. Helen me dijo: «Nunca había pasado algo así en mi vida y estoy muy agradecida. » Significaba todo. Esto permitió que emergiera una textura emocional diferente, algo muy real.

¿Cómo equilibraste la angustia y el humor en la película?

Este equilibrio era esencial. Cuando se trata de una tragedia, siempre surge la risa, a veces en momentos que parecen inapropiados. Cuando mi propia madre estaba a cinco días de fallecer, le dijo a mi hija que debía llevarse sus sostenes porque ya no los necesitaría más. Nos reímos. Fue entonces cuando mi hija se dio cuenta de que estaba perdiendo a su abuela. Así es la vida. El humor es parte de ello.

¿Cómo lograste un rodaje de 35 días con Helen Mirren durante sólo 16 días?

Soy un vanguardista. Si eres el número uno en la lista de llamadas y ralentizas las cosas, estás poniendo en peligro todo tu día. Con un cronograma como ese, no puedes permitirte el lujo de dejar una escena en el camino; es posible que nunca la recuperes. Mi preparación con mi director de fotografía, Alvin Küchler, fue increíblemente detallada. Prácticamente se mudó conmigo durante una semana. Planeamos todo.

¿Cuál fue el mayor desafío en la autorrealización?

Era lo único que no sabía cómo manejar. Tenía que estar preparado para tener múltiples opciones para poder tener opciones al editar. Mi instinto es nunca ponerme a mí mismo en primer lugar, por lo que siempre daría prioridad a cubrir a otros actores, y luego me daría cuenta de que tenía que apresurarme. Fue una locura. Pero también estimulante.

¿Tu memoria fotográfica te sorprendió en la edición?

Podía recordar tomas específicas: lo que funcionó y lo que no funcionó. Le diría a mi editora, Lucia Zucchetti: “Quédate con cinco”. Ella lo cuestionaría y yo le diría: “No, confía en mí. » Y tenía razón. Esto nos ayudó a mantener una línea emocional fuerte.

¿Cómo fue colaborar con su hijo, Joe Anders, en el guión?

Joe no sabe cómo trabajo en el set y no puedo enseñarles a mis hijos cómo hacer este trabajo. Deben encontrar su propio camino. Estoy increíblemente orgulloso de mis dos hijos mientras trazan sus propios caminos. Colaborar con su hijo y tener conversaciones creativas significativas es muy especial.

¿Qué es lo que más te llamó la atención de la actuación de Timothy Spall?

Hay un momento en el que le preguntan a su personaje: «¿Aún lo amas?». No dice nada. Todo está en sus ojos. El dolor, la traición: ves su corazón abierto. Es uno de los mejores actores que he visto.

¿Cómo abordaste el lenguaje visual de la película?

Se trata de una familia desordenada y complicada que vive con una enfermedad de larga duración. No quería que el cáncer se convirtiera en una historia. Esa no es la historia. La historia trata sobre cómo una familia se vuelve más unida. Al principio, me contengo visualmente: es el espacio entre las personas lo que nos dice qué tan lejos están.

¿Quieres volver a dirigir?

Me gustaría eso. Sinceramente lo haría. Acabo de entregar la película, así que aún no lo sé, pero sí, me encantaría hacerlo.

¿Cómo fue regresar a “Avatar: Fire and Ash” y qué te recordó a la actuación?

Lo rodé hace años, pero la experiencia fue extraordinaria. El entrenamiento fue intenso. La pasión de Jim Cameron es incomparable. Y a medida que crezco, me doy cuenta de lo mucho que me encanta estar en grupo con otros actores. Esta energía importa. Tuve suerte de ser parte de ello.

El podcast «Awards Circuit» de Variety, presentado por Clayton Davis, Jazz Tangcay, Emily Longeretta, Jenelle Riley y Michael Schneider, quien también produce, es su fuente única para conversaciones animadas sobre lo mejor del cine y la televisión. Cada episodio, “Circuito de premios”, presenta entrevistas con los mejores talentos y creativos del cine y la televisión, discusiones y debates sobre carreras de premios y titulares de la industria, y mucho más. Suscríbase a través de Apple Podcasts, Stitcher, Spotify o dondequiera que descargue podcasts.